LagoAlgo reúne a cinco artistas cuyas obras se intersectan en un viaje a través del tiempo, desde una época prehistórica hasta la Gran Historia de hoy y de mañana. Al plantear múltiples puntos de vista sobre el tiempo, este cuarto capítulo de exposiciones en LagoAlgo plantea un viaje transhistórico por el pasado, el presente y el futuro. Historia reúne proyectos independientes que conceptualmente se interconectan de manera natural, creados por cinco artistas internacionales: Abdelkader Benchamma (Francia, 1975), Simon Fujiwara (Reino Unido, 1982), Sabino Guisu (México, 1986), Caleb Hahne Quintana (Estados Unidos, 1993) y Guido van der Werve (Países Bajos, 1977).
En un momento de inestabilidad e incertidumbre mundial sin precedentes sobre el futuro, la noción de Historia adquiere una importancia primordial, ya que la necesidad de reconectar con la naturaleza y la cultura resulta crucial para abordar los tiempos que se aproximan. Aunque las fronteras entre lo geológico y lo cultural son cada vez más difusas, las acciones de la humanidad están teniendo un impacto significativo en el clima, los ecosistemas y el futuro del planeta. A través del tiempo, desde nuestros orígenes primitivos hasta la sociedad hipermoderna del mañana, las obras de los cinco artistas resuenan estrechamente con las crecientes ansiedades a las que se enfrentan, amenazados, nuestro presente y futuro. Al hacerlo, la exhibición actúa como un viaje a través de dos perspectivas temporales: la primera, geológica y natural, que abarca millones de años, y la segunda, cultural, que rastrea la ocupación humana del mundo a través de la historia del arte. Al interconectar estos dos enfoques, la exposición insiste en la necesidad de estudiar tanto el presente como el pasado para comprender y avizorar mejor el futuro.
Por Jérôme Sans
LagoAlgo brings together five artists whose works intersect in a journey through time, from a Prehistoric age to the Big History of today and tomorrow. Raising multiple points of view on time, this fourth chapter of exhibitions at LagoAlgo brings forward a transhistorical voyage through the past, the present and the future. Historia naturally reunites independent but conceptually interconnected projects by five international artists, Abdelkader Benchamma (France, 1975), Simon Fujiwara (UK, 1982), Sabino Guisu (Mexico, 1986), Caleb Hahne Quintana (USA, 1993) and Guido van der Werve (Netherlands, 1977).
At a time of unprecedented global turmoil and uncertainties regarding the future, the notion of History takes on a primordial stance as a need to reconnect with nature and culture becomes crucial to approach the times ahead. While boundaries between the geological and the cultural are increasingly blurred, humanity’s actions are significantly impacting the planet’s climate, ecosystems and future. Crossing time, from our primitive origins to the hypermodern society of tomorrow, the works of the five artists resonate closely with the increasing anxieties facing our threatened present and future. In doing so, the exhibition acts like a journey through two temporal perspectives: the first, geological and natural, which spans millions of years, and the second, cultural, which traces humanity’s occupation of the world through the history of art. By interconnecting these two approaches, the exhibition stresses on the necessity to study the present as much as the past to better understand and envision the future.
By Jérôme Sans
For his first-ever exhibition in Mexico, Abdelkader Benchamma presents Neither The Sky Nor The Earth, a site-specific installation specially conceived for LagoAlgo. Submerging the viewer into the French artist’s vocabulary, this immersive work shows history through the layers of myths and narratives that compose the world.
A development of his eponymous wall drawing presented at the Sharjah Biennale in 2017, his new installation, Neither The Sky Nor The Earth, takes his drawings Étoiles Blanches Pierre Noires (2022) as a starting point. Presented within a larger body of paint, these graphic works act like the beginning of a story which creates an overflowing installation. Spilling out of the frame, pushing the all-over strategy to its full completion, the drawings stretch and expand into the space, physically occupying it and enveloping all the walls. The artist thus creates an original artwork that extends over the entire area, presenting an entry to immemorial landscapes similar to the caves in which the world’s mythologies were born.
The construction is based on the principle of sedimentation, where layers of history, myths and stories come together to resurface as immutable figures, in a similar fashion to fossils. The shapes that form the core of Abdelkader Benchamma’s practice are reminiscent of the mineral world despite their lightness. They create a peculiar balance between geological strata appearance and the feeling of being swept along in a constant tornado. This oxymoron in his practice generates an unsettling comfort for viewers whose eyes lose all reference points in a constant quest for stability. The notion of time and history being here key to understanding this journey of the human psyche through this metaphorical grotto.
Abdelkader Benchamma’s work presents yet another aspect, an all-encompassing view on what has been and what is to become. Without being a carrier of a direct ecological message, his work can be perceived as a distant echo to the natural catastrophes of tomorrow, his creations having so much in common with devastated landscapes after a natural disaster. All bearings are lost in the face of this destabilizing wave, a feeling translated by the use of the mop and ink over charcoal. Abdelkader Benchama’s drawing lines rush the viewer with an apparent gentleness in a journey back to the original cave.
By Jérôme Sans
Abdelkader Benchamma (France, 1975) is known for his wall painting installations where matter escapes in organic growths from the frame, investing all the space and metamorphosing it in a metaphorical cave. His work is fueled by literature, philosophy, astrophysics and esoteric reflections, resulting in environments and visual scenarios that question our relations with reality, probing the boundaries with the invisible. The French artist’s dreamlike black and white universe surprises by the strength it exalts as much as by the details hidden among the whirlwind of his abstract forms. Every subtlety is well thought out and nothing is lost in the strength of his line. The artist lives and works between Paris and Montpellier.
Para su primera exhibición en México, Abdelkader Benchamma presenta Ni el cielo ni la tierra (2023), una instalación concebida especialmente para LagoAlgo. Sumergiendo al espectador en el vocabulario del artista francés, esta obra inmersiva muestra la historia a través de las capas de mitos y narrativas que componen el mundo.
A manera de evolución de su dibujo mural epónimo, presentado en la Bienal de Sharjah en 2017, esta nueva instalación Ni el cielo ni la tierra sus dibujos Étoiles Blanches Pierre Noires (2022) como punto de partida. Presentados como parte de un conjunto mayor, estas obras gráficas actúan como el principio de una historia que da pie a la creación de una instalación desbordante. Sobrepasando sus límites en un empuje omnidireccional, los dibujos se extienden y se expanden en el espacio, ocupándolo físicamente y abarcando todas las paredes. De este modo, el artista crea una obra original que se despliega por toda la superficie, presentando una entrada a paisajes inmemoriales similares a las cuevas en las que nacieron las mitologías del mundo.
La construcción se basa en el principio de la sedimentación, donde distintas capas de historia, mitos y narrativas se unen para resurgir como figuras inmutables, de forma similar a como lo hacen los fósiles. A pesar de su ligereza, estas formas que constituyen el núcleo de la práctica de Abdelkader Benchamma, recuerdan al mundo mineral. Crean un peculiar equilibrio entre la apariencia de estratos geológicos y la sensación de ser arrastrado por un tornado constante. Este oxímoron en su práctica genera una inquietante comodidad para los espectadores, cuyos ojos pierden todos los puntos de referencia en una búsqueda constante por la estabilidad. La noción de tiempo e historia es clave para entender este recorrido por la psique humana a través de una gruta metafórica.
La obra de Abdelkader Benchamma presenta además otro aspecto, una visión global sobre lo que ha sido y lo que será. Sin ser portadora de un mensaje ecológico directo, su obra puede percibirse como un eco lejano de las catástrofes naturales del mañana, ya que sus creaciones tienen mucho en común con los paisajes devastados tras una catástrofe natural. Todos los referentes se pierden ante esta ola desestabilizadora, un sentimiento traducido por el uso del estropajo y la tinta sobre el carbón. Las líneas de dibujo de Abdelkader Benchama precipitan al espectador con una aparente gentileza hacia un recorrido de vuelta a la caverna original.
Por Jérôme Sans
Abdelkader Benchamma (Francia, 1975) es conocido por sus instalaciones de pintura mural en las que la materia se escapa a través de crecimientos orgánicos más allá de sus propias dimensiones, invadiendo todo el espacio, transformándolo en una cueva metafórica. Su obra se alimenta de la literatura, la filosofía, la astrofísica y las reflexiones esotéricas, dando lugar a entornos y escenarios visuales que cuestionan nuestras relaciones con la realidad, sondeando los límites con lo invisible. El universo onírico en blanco y negro del artista francés sorprende tanto por la fuerza que exalta como por los detalles ocultos en el torbellino de sus formas abstractas. Cada sutileza es concienzudamente pensada y nada se pierde en la fuerza de su trazo. Vive y trabaja entre París y Montpellier.
Welcome to the world of Who the Baer, an original cartoon character created by the artist Simon Fujiwara. Who the Baer, or ‘Who’ as they lovingly known, is a cartoon bear that seemingly has no clear identity - no race, no gender, no sexuality and no nationality. With white fur, a golden heart and an impossibly long pink tongue, Who the Baer is simply a 2-dimensional image that seeks identity affirmation within an endlessly abundant world of online images. Able to morph and shift into any character, person, object or ‘style’ they encounter, Who the Baer is free to limitlessly reinvent themselves, yet they lack the one thing a true identity is dependent on: Authenticity. But does a cartoon character wish to be authentic anyway? Perhaps it is enough for Who the Baer simply to appear authentic.
Since Who the Baer was invented over three years ago, the universe – or Whoniverse - of Fujiwara’s cartoon character has expanded from its humble origins as a set of early sketches and drawings into large-scale paintings and sculptures, installations, animations, a children’s book and even a series of merchandise under the umbrella “Whotique” – the Who the Baer boutique. The character, which operates as both a conceptual artwork and a brand, can be seen as Fujiwara’s testing of the limits of art in the age of hyper-consumerism and total image saturation. As such, Who the Baer spills across the borders of high conceptualism and sensuous figurativism, Warholian mass production and nostalgic ‘craftiness’. Yet at its heart, Who the Baer is a simple fairytale that mirrors the story and concerns of the times we live in – the good, the bad and the ugly - all with the lightness of touch characteristic of Fujiwara’s artistic approach.
This large-scale exhibition of Who the Baer is the first of its kind in Latin America and follows on from a series of acclaimed presentations that have traveled the world from Tokyo to Seoul, New York, Milan, Berlin and Rotterdam. Here at Lago Algo, Fujiwara has conceived of an entirely new, site-specific installation featuring a labyrinth of colorful sculptural walls that reference both Mexican Modernist architecture and theme park design. Set within a one-way system, we invite you to experience a broad range of works created almost entirely in the artists’ studio in Berlin, and culminating in a series of brand-new collages and paintings that remix and reinvent Mexican iconography.
Abdelkader Benchamma (France, 1975) is known for his wall painting installations where matter escapes in organic growths from the frame, investing all the space and metamorphosing it in a metaphorical cave. His work is fueled by literature, philosophy, astrophysics and esoteric reflections, resulting in environments and visual scenarios that question our relations with reality, probing the boundaries with the invisible. The French artist’s dreamlike black and white universe surprises by the strength it exalts as much as by the details hidden among the whirlwind of his abstract forms. Every subtlety is well thought out and nothing is lost in the strength of his line. The artist lives and works between Paris and Montpellier.
[¿El mundo de Who?]
Te damos la bienvenida al mundo de Who The Baer (le ose Who), un personaje animado original creado por el artista Simon Fujiwara. Who The Baer, o simplemente "Who", como se le conoce cariñosamente, es un oso de caricatura que no parece tener una identidad clara: no tiene raza, género, sexualidad ni nacionalidad. Con pelaje blanco, un corazón de oro y una lengua rosa larguísima, Who es simplemente una imagen bidimensional que busca afirmar su identidad en un mundo plagado de infinitas imágenes online. Capaz de mutar y transformarse en cualquier personaje, persona, objeto o "estilo" que encuentre, Who es totalmente libre de reinventarse sin límites. Sin embargo, carece de lo único de lo que depende una verdadera identidad: autenticidad. Pero, ¿es posible que une personaje de dibujos animados desee la autenticidad? Quizás a Who le baste sólo con aparentarla.
Desde que Who The Baer fue inventado hace más de dos años, el universo –o Whoniverso– de le personaje animade de Fujiwara se ha expandido desde sus humildes orígenes como un conjunto de primeros bocetos y dibujos hasta pinturas y esculturas a gran escala, así como instalaciones, animaciones, un libro infantil e incluso una serie de productos bajo el nombre de “Whotique”, la boutique de Who The Baer. Le personaje, que funciona simultáneamente como obra de arte conceptual y como marca, puede considerarse también como una prueba en la que Fujiwara examina los límites del arte en la era del hiperconsumismo y la sobresaturación de imágenes. De este modo, Who The Baer traspasa las fronteras del alto conceptualismo y el figurativismo sensual, la producción en masa warholiana y la "astucia" nostálgica. Sin embargo, en el fondo, Who, le ose, es un simple cuento de hadas que refleja la historia y las preocupaciones de los tiempos que vivimos –lo bueno, lo malo y lo feo–, todo ello con la ligereza característica del enfoque artístico de Fujiwara.
Esta exposición a gran escala de Who The Baer es la primera de su tipo en América Latina y se trata de la continuación de una serie de aclamadas presentaciones que han viajado por todo el mundo, desde Tokio a Seúl, Nueva York, Milán, Berlín y Rotterdam. Aquí, en Lago Algo, Fujiwara ha concebido una instalación totalmente nueva, creada especialmente para este espacio, que presenta un laberinto de muros escultóricos coloridos que hacen referencia tanto a la arquitectura modernista mexicana como al diseño de los parques de diversión. Presentado como un sistema unidireccional, te invitamos a experimentar una amplia gama de obras creadas casi totalmente en el estudio del artista, en Berlín, y que culminan en una serie de collages y pinturas totalmente nuevas que remezclan y reinventan la iconografía mexicana.
Abdelkader Benchamma (Francia, 1975) es conocido por sus instalaciones de pintura mural en las que la materia se escapa a través de crecimientos orgánicos más allá de sus propias dimensiones, invadiendo todo el espacio, transformándolo en una cueva metafórica. Su obra se alimenta de la literatura, la filosofía, la astrofísica y las reflexiones esotéricas, dando lugar a entornos y escenarios visuales que cuestionan nuestras relaciones con la realidad, sondeando los límites con lo invisible. El universo onírico en blanco y negro del artista francés sorprende tanto por la fuerza que exalta como por los detalles ocultos en el torbellino de sus formas abstractas. Cada sutileza es concienzudamente pensada y nada se pierde en la fuerza de su trazo. Vive y trabaja entre París y Montpellier.
Here, we see the artist walking steadily across the frozen waters, while behind him a looms a vast ship, its prow smashing through the ice, then rearing up like a monstrous killer whale. Filmed in long shot, van der Werve seems frail and tiny, forever about to be swallowed by the abyss opening up behind him, forever hearing its great creaks, gulps and rumbles ringing in his ears. The icebreaker, though, lags continually behind, and we get to thinking about the effortlessness of his passage when compared to that of the behemoth to his rear. We might read it as a parable of man’s superiority to machine, until we remember that without the protective shell of the ship, van der Werve would never have been able to reach this inhospitable zone in the first place. This is not an image of man at one with nature, then, but of an excessive survival strategy, both sublime and ridiculous.
By Tom Morton
Guido van der Werve (Netherlands, 1977) was raised playing classical piano, but changed to visual arts later in life. Initially starting out as a performance artist, but unwilling to perform live, he began to document his performances. Developing this practice, he quickly got interested in film and cinematography, where he found a similar emotional directness as in music, which he was missing in visual arts. The key element of his works is still performance, but he added music, text, sport and atmospheric scenes as returning elements. His works are characterized by long meditative shots and a refusal to work with actors.
El artista camina firmemente sobre las aguas heladas, mientras a sus espaldas se cierne un enorme barco, cuya proa atraviesa el hielo y se alza como una orca monstruosa. Filmado en un plano largo, van der Werve parece frágil y diminuto, siempre a punto de ser engullido por el abismo que se abre tras él, siempre escuchando sus grandes crujidos, estertores y estruendos resonando en sus oídos. El rompehielos, sin embargo, va siempre a la zaga, y nos hace pensar en la facilidad de su paso en comparación con el del coloso que le sigue. Podríamos leerlo como una parábola de la superioridad del hombre sobre la máquina, hasta recordar que sin la coraza protectora del barco, van der Werve nunca habría podido llegar a esa zona inhóspita. No se trata, pues, de una imagen del ser humano en armonía con la naturaleza, sino de una estrategia de supervivencia excesiva, a la vez sublime y ridícula.
Por Tom Morton
Guido van der Werve (Países Bajos, 1977) se crió tocando el piano clásico, pero más adelante se dedicó a las artes visuales. Inicialmente comenzó como artista de performance, pero al no estar dispuesto a actuar en vivo comenzó a documentar sus actuaciones. Desarrollando esta práctica, rápidamente se interesó por el cine y la cinematografía, donde encontró una franqueza emocional similar a la de la música, que le faltaba en las artes visuales. El elemento clave de sus obras sigue siendo la interpretación, pero añadió música, texto, deportes y escenas atmosféricas como elementos recurrentes. Sus obras se caracterizan por largos planos meditativos y el rechazo a trabajar con actores.
A documenter of light, Caleb Hahne Quintana works across portraiture, landscape, and still life. His approach to his subjects is tender, showing a sense of care in capturing the familiar. His process begins with drawing—a step he describes as “liberating” and will often repeat subjects across media including, colored pencil, ink, and gouache before moving to “the more arduous act of painting.” Hahne Quintana elevates the mundane to the profound, the overlooked to the monumental through his emotional responses to place and memory.
Hahne Quintana paints the portrait of his generation, poetically reflecting on the state of today’s society. Haunted by time, the artist explores the remnants of the past in present moments, whilst portraying today’s shared anxieties facing the future. His pictorial universe brings to the fore a youth that suffers the weight of decisions, depicting profound, slow moments of pain and the psychological effects of contemporary uncertainties. His figures, with their heads down, retreated into themselves, are portrayed in slow motion, as if suspended in time. Colorful and still, these paintings reveal a generation that refutes speed and seeks to take their time in a world that forbids it. With his meditative brushstrokes, tinged with a mysterious sensation of time and place, Caleb Hahne Quintana questions the past, the present and the future, proclaiming a need to take a pause and make the time to reflect.
Guido van der Werve (Netherlands, 1977) was raised playing classical piano, but changed to visual arts later in life. Initially starting out as a performance artist, but unwilling to perform live, he began to document his performances. Developing this practice, he quickly got interested in film and cinematography, where he found a similar emotional directness as in music, which he was missing in visual arts. The key element of his works is still performance, but he added music, text, sport and atmospheric scenes as returning elements. His works are characterized by long meditative shots and a refusal to work with actors.
Como documentador de la luz, Caleb Hahne Quintana trabaja el retrato, el paisaje y la naturaleza muerta. Su aproximación a sus temáticas temáticas es tierna, mostrando un sentido de cuidado en la captura de lo familiar. Su proceso comienza con el dibujo, un paso que describe como "liberador", y a menudo repite los temas en medios como el lápiz de color, la tinta y el gouache, antes de pasar al "acto más arduo de la pintura". Hahne Quintana eleva lo mundano a lo profundo, lo que pasa desapercibido a lo monumental, a través de sus respuestas emocionales al lugar y la memoria.
Caleb Hahne Quintana pinta el retrato de su generación, reflexionando poéticamente sobre el estado de la sociedad actual. Atormentado por el tiempo, Caleb Hahne Quintana pinta el retrato de su generación, reflexionando poéticamente sobre el estado de la sociedad actual. Atormentado por el tiempo, el artista explora los vestigios del pasado en los momentos presentes, a la vez que retrata las angustias compartidas de cara al futuro. Su universo pictórico pone en primer plano a una juventud que sufre el peso de las decisiones, retratando profundos y lentos momentos de dolor, así como los efectos psicológicos de las incertidumbres contemporáneas. Sus figuras, con las cabezas agachadas, replegadas sobre sí mismas, son retratadas en cámara lenta, como si estuvieran suspendidas en el tiempo. Coloridas y quietas, estas pinturas revelan a una generación que rechaza la velocidad y que busca tomarse su tiempo en un mundo que se lo prohíbe. Con sus pinceladas meditativas, teñidas con una misteriosa sensación de tiempo y lugar, Caleb Hahne Quintana cuestiona el pasado, el presente y el futuro, proclamando la necesidad de hacer una pausa y tomarse el tiempo para reflexionar.
Guido van der Werve (Países Bajos, 1977) se crió tocando el piano clásico, pero más adelante se dedicó a las artes visuales. Inicialmente comenzó como artista de performance, pero al no estar dispuesto a actuar en vivo comenzó a documentar sus actuaciones. Desarrollando esta práctica, rápidamente se interesó por el cine y la cinematografía, donde encontró una franqueza emocional similar a la de la música, que le faltaba en las artes visuales. El elemento clave de sus obras sigue siendo la interpretación, pero añadió música, texto, deportes y escenas atmosféricas como elementos recurrentes. Sus obras se caracterizan por largos planos meditativos y el rechazo a trabajar con actores.
Seen through the eyes of an artist, the destruction of the world seems a natural act. Earthquakes, floods, landslides, subsidence, fires, droughts. All this, in the company of the human gaze, has occurred since the beginning of time, and as much as that which nourishes us, it is part of the human being.
The contemplation of the catastrophe, if it did not have a place in our memory, exalted through photographers, poems and paintings, has it ever happened? This seems to be a pertinent question before the images produced by Sabino Guisu, a series of volcanoes made of smoke, crossed by the luminous force of lightning and sometimes some colorful notes.
Although Sabino Guisu has recently used technology as part of his creative discourse, he is also concerned with primordial gestures. Painting with smoke is not far from the act of burning wood inside a cave for warmth. We, the moderns, still need the primordial fire that illuminates all things, to separate the case of the mind from the universal order. Possibly one of the intentions of the Mexican artist is how to illuminate the contemporary era from the plastic arts.
Volcanoes have been seen by various authors, from Hokusai in the East to Dr. Atl in Mexico, as a point of aesthetic exaltation. Undoubtedly, sentient beings have thought of volcanoes not only for their impression and their violent irruption, but also for the power of the earth and the experience of the devastated landscape. The primordial forces of nature have been a subject of concern in the work of Sabino Guisu, who has created commentaries on phenomena such as the Hiroshima and Nagasaki bombs and also on contemporary events, such as the popular revolts caused by minorities.
The presence of volcanoes, the idea of catastrophe, makes us wonder precisely about the weight of our actions in the world. In spite of the fact that the human being has expanded and has managed to create devices capable of modifying the face of the earth, in particular, we continue to be those inhabitants hidden in conceptual caverns. This is the point of Sabino's discourse that he wants to make evident, that of the contrast between the supposedly controlled world of the modern and the savage existence of the ancient. Although, and art insists on demonstrating it, neither one nor the other are quite so modern or so savage.
What is it about volcanoes that we can't stop imagining them, drawing them, emulating them? From Pompeii to the eruptions of Popocatepetl, we have become spectators of the fire and lava explosions of our planet. This fascination also occurs in the pieces of Sabino Guisu, who has worked with light installations but also with mud, dust and mineral pigments.
The universe presented by the Mexican artist is that of the oscillation between light and darkness, and the need to integrate both experiences, either symbolically or metaphorically, in our existence. So, he uses the art of making images, which seem to be in the human memory since the beginning of time. Proof of them are these stylized volcanoes made of ash and charcoal.
By Guillermo Santos
Coming from a family of artisans dedicated to pottery, Sabino Guisu (Mexico, 1986) began his creative training through careful observation of nature, the rites and customs of the Zapotec culture, and the heritage of his artist father. Influenced by Zapotec culture and contemporary art, the artist’s practice draws on a continuous reflection between nature, culture, and the sacred. His subject matter incorporates magic, the power of dreams, imagery, mysticism, and transcendental worldviews.
Visto a través de los ojos de un artista, la destrucción del mundo parece un acto natural. Temblores, inundaciones, deslaves, hundimientos, incendios, sequías. Todo eso, en compañía de la mirada humana, ocurrió desde el comienzo de los tiempos, y tanto como aquello que nos nutrió, forma parte del ser humano.
La contemplación de la catástrofe, si no tuviera un lugar en nuestra memoria, exaltada a través de fotógrafas, poemas y pinturas, ¿acaso ha ocurrido? Esta parece ser una pregunta pertinente ante las imágenes producidas por Sabino Guisu, una serie de volcanes hechos de humo, atravesados por la fuerza luminosa de los rayos y en ocasiones algunos apuntes colorísticos.
Aunque recientemente Sabino Guisu ha utilizado la tecnología como parte de su discurso creativo, le preocupan también los gestos primordiales. Pintar con humo no se aleja del acto de quemar dentro de una caverna un poco de madera para calentarse. Nosotros, los modernos, seguimos necesitando del fuego primordial que alumbra todas las cosas, para separar el caso de la mente del orden universal. Posiblemente una de las intenciones del artista mexicano sea la de cómo iluminar la era contemporánea desde las artes plásticas.
Los volcanes han sido vistos por diversos autores, de Hokusai en Oriente al doctor Atl en México, como un punto para la exaltación estética. Sin duda, los seres sensibles han pensando en los volcanes no solamente por su impresión y su irrupción violenta, sino también por el poder de la tierra y la experiencia del paisaje devastado. Las fuerzas primordiales de la naturaleza han sido tema de preocupación en la obra de Sabino Guisu, que ha creado comentarios en torno a fenómenos como el de las bombas de Hiroshima y Nagasaki y también de eventos contemporáneos, como las revueltas populares propiciadas por las minorías.
La presencia de los volcanes, la idea de catástrofe, nos hace preguntarnos precisamente por el peso de nuestros actos en el mundo. A pesar de que el ser humano se ha extendido y ha logrado crear aparatos capaces de modificar la faz de la tierra, en lo particular, seguimos siendo esos habitantes ocultos en cavernas conceptuales. Este es el punto del discurso de Sabino que quiere hacer evidente, el de el contraste entre el supuesto mundo controlado del moderno y la salvaje existencia del antiguo. Aunque, y el arte se empeña en demostrarlo, ni uno ni el otro son del todo tan modernos ni tan salvajes.
¿Qué hay en los volcanes que no podemos dejar de imaginarlos, de dibujarlos, de emularlos? Desde Pompeya hasta las erupciones del Popocatépetl, nos hemos convertido en espectadores del fuego y las explosiones de lava de nuestro planeta. Esa fascinación también ocurre en las piezas de Sabino Guisu, que ha trabajado con instalaciones de luz pero también con barro, polvo y pigmentos minerales.
El universo que nos presenta el artista mexicano es el de la oscilación entre la luz y oscuridad, y la necesidad de integrar ambas experiencias, ya sea de modo simbólico o metafórico, en nuestra existencia. Entonces, se sirve del arte de fabricar imágenes, que parecen estar en la memoria humana desde el inicio de los tiempos. Prueba de ellos son estos estilizados volcanes hechos de ceniza y carbón.
Por Guillermo Santos
Proveniente de una familia de artesanos dedicados a la alfarería, Sabino Guisu (México, 1986) inició su formación creativa a través de la atenta observación de la naturaleza, los ritos y costumbres de la cultura zapoteca y la herencia de su padre artista. El trabajo de Guisu surge de una continua reflexión entre la naturaleza, la cultura y lo sagrado. Su tema incorpora magia, el poder de los sueños, imágenes, misticismo y cosmovisiones trascendentales.
Horario de exposición:
Miércoles — domingo
10:00 — 18:00 hrs
En LagoAlgo favorecemos a lo local y dialogamos con lo global. A través del programa público, buscamos construir comunidad usando el espacio como plataforma para invitar a otros proyectos a generar experiencias dinámicas alrededor de arte, música, arquitectura, gastronomía, cine y bienestar.
At LagoAlgo, we favor the local and dialogue with the global. Through our public program, we aim to build a community, utilizing our space as a platform to invite other projects to create dynamic experiences around art, music, architecture, gastronomy, cinema, and wellness.
.jpg)
Conoce a los productores locales que trabajan por generar alternativas sustentables y respetuosas con la tierra. Actividad gratuita sin registro.
Meet local producers who work to generate sustainable and earth-friendly alternatives. Free activity without registration.
Acompáñanos en una sesión de sanación y reconexión a través del sonido. Impartido por Steff Fink. Actividad gratuita.
Join us for a session of healing and reconnection through sound. Taught by Steff Fink. Free activity.
Comala, Comala es un estudio de teatro y música sobre Pedro Páramo. Este primer acercamiento de adaptación y reinterpretación de la novela de Juan Rulfo al teatro musical. La pieza sigue el viaje de Juan Preciado a un lugar donde los vivos y los muertos se entrelazan en una especie de mundo sobrenatural. Una obra que nos hace recordar tantitito de la vida.
Comala, Comala is a study of theater and music about Pedro Páramo. This first approach of adaptation and reinterpretation of Juan Rulfo's novel to musical theater. The piece follows Juan Preciado's journey to a place where the living and the dead intertwine in a supernatural world of sorts. A play that reminds us a glimpse of life.
